Commento opere Renoir

1) Lisa Con ombrello (1867)
Questo è un ritratto di Lise Tréhot, una delle modelle predilette di Renoir. I tratti di Lise sono riconoscibili in altre opere dell'artista, come La ragazza seduta all'aperto del del1869, La ninfa alla sorgente del sempre del 1869 e la Donna di Algeri del 1870.
Il quadro fu portato a termine durante un soggiorno a Chailly, nei pressi di Barbizon dove Renoir si stabili assieme a Lise, Sisley e Le Cœur. E' interessante notare che quando fu esposta per la prima volta nel 1868  al Salon Parigino il critico d'arte Theoré-Burger osservò che i due colori accostati tra di loro tendevano a tingersi l'un l'altro del corrispettivo colore complementare. Questa intuizione sarà poi alla base delle sperimentazioni pittoriche di Seurat e Signac.

2) La Ninfa alla sorgente (1869-1870)
Il soggetto è di chiara impronta mitologica, del resto il tema mitologico attraversa tutta la storia della pittura, non solo dell'ottocento ma anche nel novecento, basti pensare a Picasso e a Matisse solo per citare alcuni celebri esempi. 
Notiamo che la ninfa osserva direttamente lo spettatore, come pure nella Colazione sull'erba di Manet, la ragazza in primo piano rivolge lo sguardo verso l'osservatore, espediente che ha la funzione di coinvolgere lo spettatore e di farlo partecipare emotivamente. Ricordiamo che tale espediente ha origini antiche, pensiamo per esempio all'Afrodite Cnidia di Prassitele 364-363 a.C. Dove per la prima volta una dea viene rappresentata nuda.

3) Donna di Algeri (1870)
Come abbiamo detto è sempre Lise che posa per questo quadro, il soggetto però questa volta è di ispirazione orientale.
La modella e amante Lise appare qui con gli occhi delineati dal kohl e le labbra dipinte di carminio, anche qui lo sguardo sensuale della donna si  rivolge all'osservatore in modo decisamente provocante.
Con questo dipinto Renoir rivolge il proprio interesse nei confronti dell'orientalismo che a partire da Delacroix ormai prenderà sempre più piede.

4) Monet che legge (1872)
Questo dipinto, assieme ad altri naturalmente, è la testimonianza dell'amicizia che lega i due pittori.
Osserviamo le pennellate brevi, sono disposte sulla tela con una tecnica che nega qualsiasi tradizione accademica e che prelude i futuri esiti impressionisti. "Nonostante l'apparente rapidità della pennellata però, Renoir si sofferma a descrivere alcuni particolari, come la barba rossastra dell'amico e la pipa fumante vivacizzando i colori scuri dei vestiti e dello sfondo con tocchi e filamenti di giallo e di rosso nella pipa e nel bracciolo della sedia. L'illuminazione dell'interno e della scena accentua il viso e la mano del personaggio ritratto, avvicinandolo drammaticamente all'osservatore, con una messa a fuoco molto ravvicinata".

5) La Grenouillère (1869)
Nell'estate del 1869 Renoir e Monet si recano a Bougival, un pittoresco villaggio in riva alla Senna. La maggior attrattiva naturalistica del luogo era costituita dall'isolotto di Croissy. Renoir e Monet collocano dunque i due cavalletti uno accanto all'altro, l'analisi delle due opere ci consente oggi di comprendere i due diversi modi di essere impressionista di ciascuno dei due pittori. Monet privilegia come abbiamo già detto l'immagine d'insieme, vede, per così dire, per masse cromatiche, allontanando prospetticamente l'isolotto centrale, Renoir è più sensibile alle presenze umane che, pur nella vaporosa indeterminatezza delle piccole e veloci pennellate, appaiono comunque meglio definite di quelle dell'amico. Renoir adotta una pennellata più minuta, frammentando la luce in piccole chiazze di colore e conferendo all'insieme una sensazione di gioiosa vivacità. Il suo dipinto è indubbiamente più festoso e squillante, come tutta la sua pittura, del resto. La pittura di Renoir è inizialmente più incline al paesaggio, come in Monet, ma ben presto si orienta in modo deciso verso il ritratto e più in generale verso la rappresentazione di soggetti umani mirabilmente inseriti nel loro ambiente.

6) Il palco (la loge) (1874)
Quest'opera raffigura una modella di Montmartre, Nini "Gueule de raie" e Edmond Renoir fratello dell'artista, il dipinto fa parte di quel genere pittorico che rappresenta episodi di vita mondana, di cui Renoir, ma anche molti altri, ne saranno preziosi testimoni. In una parola si sta inaugurando la stagione della Belle Epoque e sarà compito dell'Impressionismo raccontarla, documentarla ed esaltarla.
Il dipinto, che pure è stato realizzato in atelier conserva tuttavia  la spontaneità delle opere realizzate en-plein-air. Si noti ad esempio la preziosità dell'opulento vestito della donna, l'incarnato candido e gli orecchini resi con poche ma decise pennellate. Edmond è colto mentre con il binocolo spia furtivamente gli astanti (non si cura nemmeno di guardare lo spettacolo), mentre la donna, ancora una volta, rivolge il suo sguardo all'osservatore.

7) La barca sulla Senna o (La yole) (1875)
La yole è un tipo di imbarcazione che nelle giornate estive solcava la Senna. Qui siamo nei pressi di Asnières, altro santuario dell'Impressionismo.
La barca situata al centro della tela con a bordo due signore eleganti domina il blu dell'acqua. La Senna e i gitanti erano uno dei temi preferiti dell'artista. E' l'acqua infatti il vero soggetto del dipinto, con tutti i suoi riflessi, la luce e l'atmosfera.
Vale la pena ricordare ancora una volta che tutta l'estetica impressionista ha potuto prendere vita ed esprimersi in tutte le sue forme grazie all'invenzione dei colori ad olio in tubetto, i quali solo hanno reso possibile il lavoro en-plein-air e la rapidità d'esecuzione. Questa potrebbe a prima vista sembrare un'osservazione banale, ma se si riflette bene possiamo arrivare a comprendere come tutte le tecnologie modificano, che ne siamo consapevoli o meno, le nostre strutture profonde. Così come i pittori impressionisti, grazie a una tecnologia che permetteva loro di agire rapidamente e all'aperto, hanno potuto concentrare la loro ricerca sugli aspetti percettivi, cercando non più un'immagine totale, onnicomprensiva del mondo ma piuttosto un'immagine che partendo dalla soggettività evocasse l'esperienza del mondo.
L'artista aveva con sè probabilmente solo otto colori, e questi sono gli unici riscontrabili sulla tela, bianco compreso: blu cobalto, lacca rossa, vermiglione, arancio cromo, giallo cromo, giallo limone, verde smeraldo e bianco di piombo. Si tratta di colori intensi, per la maggior parte di recente sintesi, che spesso l'artista non mischiava neppure attingendo direttamente dal tubetto.

8) Colazione in riva al fiume (1879)
Questo dipinto si può considerare come una versione embrionale del più celebre La colazione dei canottieri del 1880-1882.
Due uomini e una donna hanno appena finito di mangiare. Renoir dà un'autentica e divertita descrizione della psicologia dei personaggi, mentre gli uomini hanno un atteggiamento spontaneo ed espansivo, la donna sembra essere più composta e rigida, con la schiena staccata dalla sedia e lo sguardo abbassato verso lo specchio d'acqua, rivolto verso le altre barche.
La costruzione prospettica del dipinto è affidata al pergolato, il quale traccia una sorta di "scatola" nella quale sono racchiusi i vari personaggi.
Renoir descrive con rara maestria la luce, che penetrando il reticolo ligneo del pergolato e l'intreccio delle piante rampicanti si imprime sui corpi dei vari soggetti e ne determina le qualità cromatiche.
La luce interna al pergolato, infatti, è delicata e densa di colori, mentre quella esterna è fulgida, quasi incandescente.

9) La colazione dei canottieri (1880-1881)
Siamo così giunti al celeberrimo la colazione dei canottieri
Qui è importante notare che questa magnifica tela è stata dipinta dopo la pubblicazione di un articolo di Zola che, essendo stato inizialmente uno dei principali sostenitori degli Impressionisti, li accusa ora del fatto che "nessuno di loro ha compreso con forza e chiarezza la nuova formula, che troviamo frammentata in tutti i quadri che producono. Essi non mantengono mai ciò che promettono; balbettano senza riuscire a parlare"
Il dipinto rappresenta una colazione al ristorante La Fournaise a Chatou, sempre nei pressi di Bougival. I frequentatori sono soprattutto sportivi, che dopo aver vogato in canoa, si concedono il meritato riposo, insieme ad amici ed amiche. La scena è ambientata nella veranda aperta del locale, dove quattordici personaggi discutono amabilmente fra loro.
La luce chiara del primo pomeriggio estivo, filtrata dal tendone a righe, inonda la scena di riflessi rosati ai quali fa da contrasto cromatico lo sfondo verdastro della vegetazione palustre.
L'attenzione di Renoir si concentra soprattutto sui colori ( caldi e freddi, chiari e scuri, primari e complementari). I volti delle ragazze sono tratteggiati per zone di colore: le labbra, gli occhi, il naso, i capelli, i cappellini. Anche qui, si noti, non vi è traccia di disegno, ma le forme emergono egualmente, chiare e distinte, quasi vibranti di un moto proprio. L'atmosfera che ne deriva è quella di una straordinaria naturalezza, resa ancor più viva dal complesso gioco di sguardi che lega espressivamente i vari personaggi.
L'apparecchiatura della tavola, infine, costituisce un dipinto nel dipinto. L'artista realizza una superba natura morta. In essa alla leggerezza delle bottiglie e dei cristalli fa riscontro la massa compatta della frutta e della retrostante botticella di cognac, mentre le briciole di pane e il tovagliolo bianco lasciato sulla tovaglia rimandano a un naturalismo stupefacente.

10) Ritratto di Richard Wagner (1882)
Nel 1882 Renoir viaggiò in Italia, giungendo fino a Palermo. Casualmente seppe che in città era presente Wagner, che vi soggiornava per motivi di salute poichè soffriva di erisipela, una malattia della pelle per la quale era favorevole il clima caldo del sud. Renoir che era anche lui appassionato di musica chiese di poterlo incontrare, dopo un paio tentativi finalmente riuscì ad incontrarlo per una mezzora che impiegò per realizzare questo ritratto. Il musicista che comunque aveva acconsentito all'incontro, non era comunque entusiasta, e neppure del ritratto.

11)  Ballo a Bougival (1883)
Questo dipinto raffigura Suzanne Valadon, ( modella, pitrice e madre del pittore Maurice Utrillo) e Paul Llhote, anche lui pittore. I due ballerini riempiono il centro dell'opera con movimenti delicati, il volto della donna è incorniciato da un grazioso cappellino rosso e appare radioso, l'abito che indossa dona colore alla tela e contrasta con il vestito scuro dell'accompagnatore, il cui volto è coperto da un cappello di paglia e sembra rivolto verso la donna con cui sta ballando. Sullo sfondo emerge l'ambiente rustico del luogo, con un tavolo dove è seduta una giovane coppia intenta a chiacchierare e a bere, e più in là si possono notare tra le foglie altre persone in piedi e sedute.
Le tonalità cromatiche sono intense e accese, conferendo al dipinto un senso di gioia e di armonia.
Con questo dipinto Renoir conclude la fase propriamente impressionista. Il viaggio in Italia, Il contatto diretto con i maestri del Rinascimento, Raffaello soprattutto, saranno determinanti per quella svolta stilistica che verrà chiamata "stile aigre"(stile aspro), caratterizzato da contorni netti, volumi definiti, preferenza per il nudo femminile rispetto al paesaggio e quindi progressivo abbandono della pittura en-plein-air.

12) Le bagnanti (1884-1887) noto anche come Les Grandes
      Baigneuses.
Questo dipinto rientra nel genere classico/mitologico delle bagnanti, in questo caso la modella è Suzanne Valadon. 
Il dipinto si ispira a una scultura di François Girodou, il bagno delle ninfee del 1672, un bassorilievo in piombo realizzato per una fontana nel Parco di Versailles. Ma si sente anche l'influenza dell'opera di Ingres e soprattutto di Raffaello che il pittore aveva ammirato durante il viaggio in Italia nelle stanze vaticane.

13) Jeunes filles au piano (1892)
Quest'opera fu esposta a una mostra personale dell'artista alla Galleria di Paul Durand-Ruel. Fu acquistata da Henri Roujon, il quale intendeva radunare i dipinti dei Maestri più celebri ancora viventi per esporli in una sala al Palais de Luxembourg interamente dedicata all'arte contemporanea. Appare quindi palpabile la grandissima notorietà raggiunta da Renoir in questi anni.
Sono qui rappresentate due ragazze della borghesia parigina che dialogano e si esercitano al pianoforte. Il pittore si sofferma su vari particolari dell'abitazione familiare, cogliendo magnificamente l'immagine delle fanciulle intente negli esercizi musicali.
Dal punto di vista tematico l'opera segna un definitivo distacco dallo "stile aigre". Si avverte chiaramente l'abbandono di quella maniacale rigidità formale che caratterizzava molte delle sue precedenti opere aigre.
E' a partire da questi quadri infatti che Renoir inizia a concepire gli opposti impressionisti e raffaelleschi come aspetti unilaterali di un'unità in grado di ricomprenderli entrambi.

14) Il ritratto di Ambroise Vollard (1908)
Ambroise Vollard (1866-1939) è stato un importante mercante d'arte, è stato amico di moltissimi artisti, letterati, poeti. Solo per fare alcuni nomi: Mallarmè, Zola, Apollinaire, Renoir, Cézanne, Degas, Picasso, Matisse. Fu anche un convinto sostenitore delle ricerche più avanzate, da Cézanne a Picasso, he non esitarono a ritrarlo in varie occasioni.
In questo caso la scena è tutt'altro che familiare, è stata attentamente studiata e si ricollega alla ritrattistica ufficiale del Cinquecento e del Seicento. Renoir in questo quadro intende sottolineare la professionalità e la vastissima erudizione dell'amico, il quale è colto mentre esamina con interesse una statuetta dello scultore e pittore Aristide Maillol.

15) Le bagnanti (1918-1919)
Questa è l'ultima opera che Renoir dipinge, verrà portata a termine poco prima della sua morte.
Nella sua residenza di Cagnes-sur-Mer, a posare sono Dedée e la russa Andrée  Hessling poi unitasi in matrimonio con Jean Renoir. Ancora una volta e per l'ultima volta l'artista decide di rivolgersi ad uno dei punti cardine dell'arte del passato e del presente, il nudo femminile nell'accezione più alta, quella classica e mitologica. Ritornano i maestri del passato per tanti anni studiati e ammirati al Louvre, Tiziano e Rubens.
Le due bagnanti dal corpo florido e vitale godono pienamente della loro straripante fisicità. 
Sarà lo stesso Renoir a condensare la sua teoria estetica nella seguente frase collocabile tra il 1910 e il 1919 "amo la pittura grassa, liscia, untuosa, amo palpare un quadro, passarvi la mano". Le due bagnanti, infatti, sono tratteggiate da pennellate mobili, ferventi, ricche di spessore, che conferiscono alla materia pittorica una nuova freschezza.

16) Gabrielle et Jean (1895)
Gabrielle era una cugina di Aline, la moglie di Renoir e fu spesso incaricata dalla coppia d badare al piccolo Jean,.in questo periodo fu anche una delle modelle predilette dall'artista e compare in parecchi dipinti.
In questo dipinto Il piccolo Jean è gioioso e divertito, ha le guance leggermente arrossite, il volto è incorniciato da una magnifica chioma di capelli su cui si riflettono delicati passaggi tonali. Gabrielle dal canto suo ha uno sguardo teneramente assorto e intrattiene il piccolo con un pupazzetto a forma di mucca. Il virtuosismo dell'artista si esprime qui in un grande equilibrio cromatico e compositivo: il blu della veste di Gabrielle e il bianco dell'abitino di Jean, infatti, da soli riescono a individuare due piani distinti, nonostante l'assenza di una preparazione grafica e di uno sfondo accuratamente descritto.